Los modos de acción

/.../ poemas garabateados en los lavabos del juzgado, pequeños fetiches abandonados en parques y restaurantes, arte en fotocopias bajo el limpiaparabrisas de los coches aparcados, Consignas en Grandes Caracteres pegadas por las paredes de los patios de recreo, cartas anónimas enviadas a destinatarios conocidos o al azar (fraude postal), retransmisiones piratas de radio, cemento fresco. [Hakim Bey: “Terrorismo poético y sabotaje del arte”, en Acción directa sobre el arte y la cultura, radikales livres, 1997].

Desde los primeros números de Amano, se prestó una especial atención a la realización, documentación y difusión de lo que se dio en llamar “atentados estéticos”, como unos de los “modos de acción” preferentes. El atentado estético es una forma de irrumpir en el espacio público con mensajes que promueven la agitación, el descreimiento, la violencia psíquica. "Todo intento crítico de interacción con la red de significados puede interpretarse como un atentado estético contra los hilos institucionales que legitima y legitiman ese lenguaje". El # 1 de Amano incluía ya una acción de degollamiento simbólico de un Toro de Osborne situado junto a la carretera de Andalucía a la altura de El Pedernoso y el encadenamiento contrapublicitario de una modelo a un pene en diversos carteles de la línea 2 del Metro de Madrid, junto a otras acciones contrapublicitarias realizadas por ellos mismos o por otros, y abría una suerte de boletín en la revista para la reivindicación y la promoción de tales acciones.

Una de las formas de intervención sobre el espacio público a las que se prestó atención preferente en sus diversas manifestaciones, tanto desde el análisis teórico como desde la práctica, era el grafiti, al que había que rescatar del universo narcisista del pop y de las borracheras sabatinas para dotarlo de nuevo de sentido político y poético. Las pintadas marca mikuerpo se realizaban con plantilla según el modelo lanzado por Preiswert, procurando dejar chorreras para incorporar a la desidentificación un aire inquietante, urgente y gótico. En ocasiones eran un eslogan con varios niveles de lectura (“De la actualidad a la acción”), una constatación siniestra que nos deja flotando en el vacío de la realidad social (“El dinero no contiene energía”) o una descomposición de mensajes reconocibles que abría interpretaciones inquietantes (“No más de sal ojos”). Otras veces sirvieron simplemente para lanzar consignas de acción (“2000-1 Huelga de arte").

Otro tipo de acción practicado de forma anónima o no por Mikuerpo consistía en envíos postales dirigidos contra personas e instituciones, en la línea practicada en España por colectivos como Stidna! o los Fills Putatius de Miró. En ocasiones se trataba únicamente de dejar constancia de una protesta o un insulto, pero en otras se utilizó como un dispositivo pretendidamente desvelador de las dinámicas selectivas del sistema, como en el caso de la sección "Cartas al Director", realizada con escritos rechazados por esta sección de la prensa diaria.

Los textos enviados a esta sección deben haber sido rechazados en la sección de Cartas al Director de cualquier diario nacional, a pesar de cumplir los requisitos solicitados para su publicación. Con esta iniciativa, que pretende tener continuación en números sucesivos, se trata de poner en evidencia la doble moral de la prensa diaria "democrática" e "independiente", que se autoconciben como órganos de expresión de la sociedad civil, pero apenas reservan un espacio muy pequeño para atender las inquietudes de sus lectores. La sección de Cartas al Director no es sino una prolongación de las estrategias de contaminación ideológica en los mass-media, presentando como opinión pública lo que ha pasado un proceso de selección, abstracción y censura". [Amano # 5]

 

Así que habla...

por Stidna!

Publicado en Amano # 9 (1997).

Algunas razones para decir sí a la Huelga de arte

por J.Seafree

Cuando hace casi tres años recibí el número 8 de P.O.Box (abril 1995) y encontré en su portada la expresión Huelga de arte bajo el dibujo de dos manos sosteniendo un pincel roto, con referencia Barcelona 2001, pensé que era la oportunidad para corregir los errores acaecidos alrededor del fenómeno cultural en Madrid durante el épico año de 1992. Entonces, la fecha anterior quedaba reciente y los recuerdos, sensaciones, resultados y consecuencias de aquella maldita capitalidad cultural estaban aún vivos. Al hablar de "corregir" lo hago desde una perspectiva decididamente marginal y/o alternativa. Puesto que el empeño a menudo se detiene y la acción acaba dando paso a la teorización. Puesto que cambiar, intentar cambiar, alzar la voz, la protesta, la denuncia, servirán como instrumentos y fines de la acción crítica, de la lucha, pero el eco será indudablemente ínfimo. Perdón, pues, por mi falta de esperanza; pero a pesar de ello no puedo callar las ideas que en relación a este tema rascan mi estómago.

Como respuesta a la posible capitalidad cultural de Barcelona en el 2001, y/o como algo más, la invitación a la huelga de arte en tal año y en el precedente pudiera parecer una ocasión más, vulgar como tantas, de hacer algo sonado con la excusa del cambio de siglo y milenio. Por otra parte, situar la raíz de la propuesta en el eje Barcelona-Madrid parece algo común y al mismo tiempo lleno de dificultad, dado el carácter cosmopolita de ambas urbes y, en consecuencia, el reconocido hermetismo en el ámbito artístico, creativo y editorial para la difusión de ideas, nombres, tendencias, espacios y colectivos nuevos, en los círculos comerciales, en el mercado cultural convencional.

No cabe duda que, como afirma Clemente Padín, el arte es un medio de lucha ideológica contra el sistema. Además parte de razón tienen Luther Blissett, Karen Eliot y Monty Catsin al establecer los motivos de la Huelga de arte distantes de las huelgas en el mundo laboral. Ahora bien, ¿qué arriesgamos nosotros, los artistas independientes, los luchadores, los marginales, los poetas y los críticos apasionados sin ánimo de lucro, los editores y los creadores alternativos, si elegimos decir no la "llamamiento a la desobediencia activa", o por el contrario, si nos sumamos a tal invitación? ¿Va a echar de menos "el sistema" nuestro intento de meter el dedo en el ojo si estamos desocupados con la Huelga de arte"? ¿va a agradecer, en cambio, nuestro descanso? Aunque no pocas veces reflexioné sobre el valor transgresor de la obra de arte, sobre la necesidad de cambio también a partir del quehacer artístico, reconozco que la incidencia de todo nuestro trabajo es minúscula al lado de los gigantescos pasos del mercado, de la cultura protegida por los estamentos poderosos, al lado del dios dinero, en fin, de la autoridad encubierta.

En todas la huelgas quien más arriesga es siempre quien las hace: mineros o pintores, maestros o mailartistas, empleados de banca o artesanos, galeristas o poetas, bomberos o editores. Frecuentemente, quien las secunda es quien en cierta medida vive bajo unas circunstancias menos cómodas, puesto que no goza de autoridad, de capacidad de decisión en una empresa, en una fábrica, en un colectivo, etc. Que el público -es decir, todos- deje de asistir a actos culturales y a exposiciones, que los artistas no creen durante un período determinado, equivaldría, de manera pronunciada e intensa, al hecho de no acudir al puesto de trabajo por un llamamiento sindical: quien acude a pesar de la huelga, aunque esté protestando diariamente, no conseguirá nada, incluso si sus protestas son las de una amplia representación no organizada. Sin embargo, aunque la huelga no sirva para sentar de nuevo a la mesa a las partes, esto es, que resulte un fracaso (lo que parece siempre sucede desde el punto de vista de la autoridad), a pesar de los descuentos salariales, a pesar de estar señalado, a pesar de la no solidaridad transmitida, quien hace la huelga se siente firme en sus principios. Pensemos, por tanto, en el arte, en el proceso creativo, como en una actividad más, como en un trabajo cualquiera. Curiosamente, estamos hablando de artistas que en su mayoría no reciben remuneración por su quehacer, no tienen éxito comercial con sus cuadros, con sus obras, y para quienes la satisfacción viene dada por el propio desarrollo de las pasiones, por el encanto cotidiano de la lucha y la reflexión. Decir sí a la Huelga de arte es estar arriesgando todo esto: pasión, lucha, compartir: Es bastante.

Tal vez, el tiempo venga de nuevo a remover distancias entre la teoría y la acción, entre las ideas y las decisiones, pero hoy por hoy, si al hablar de Huelga de arte tuviéramos que votar en una urna, mi papeleta llevaría el SÍ. A pesar de los inconvenientes nombrados en el segundo párrafo, reconociendo el riesgo del silencio y comprendiendo que tras el período determinado para la misma quienes más habrán perdido seamos nosotros mismos. Porque, podiéndonos en la más decepcionante de las circunstancias --sintiendo que nuestra lucha artística no tiene horizonte -- ese tiempo alejado de los avatares culturales, de las excepcionales veleidades artísticas, puede devenir en un revulsivo para otro tipo de acción, motivada también desde las convicciones políticas y sociales, más allá del terreno estrictamente creativo. Acaso tuviera razón el poeta (Carlos Edmundo de Ory?) cuando afirmaba que lo era porque no se atrevía a ser terrorista.

Madrid, 24 de febrero de 1998, publicado en el zine de mail-art P.O.Box.

Cartas al director

Los textos enviados a esta sección deben haber sido rechazados en la sección de "Cartas al Director" de cualquier diario nacional, a pesar de cumplir los requisitos solicita­dos para su publicación. Con esta iniciativa, que pretende tener con­tinuación en nímeros sucesivos, se trata de poner en evidencia la doble moral de la prensa diaria "democrática" e independiente, que se autoconciben como órganos de expresión de la sociedad civil, pero apenas reserva un espacio muy pequeño para atender las in­quietudes de sus lectores. La sec­ción de Cartas al Director no es sino una prolongación de las estra­tegias de contaminación ídeológi­ca en los mass-media, presentando como opinión pública lo que ha pasado un proceso de selección, abstracción y censura. Esta iniciativa se puso en marcha en el fanzine Amano 5 (1997).

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Un escritor y sus barbaridades

La siguiente carta no fue publicada por El País pocos días antes de que A. Muñoz Molina fuese declarado policía de la lengua. Diversas rectificaciones realizadas por el mismo colectivo a V. Molina Foix y a L. Morales (psiquiatra de Carring­ton) acerca de la manipulación institucional del surrealismo tampo­co recibieron la aten­ción del medio.

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A medida que avanza u­na concepción conser­vadora de la vida -en to­das sus dimensiones­- avanza también una re­gresión del pensamiento y del arte. Su efecto en estos campos suele de­rivar en una puesta en cuestión del romanticis­mo de las vanguardias -y de su dinámica liberadora- a la que se opone una apelación al resurgir de un nuevo clasicismo -cuya naturaleza suele ser restrictiva y tediosa. Otra de las consecuencias de esta regre­sión hacia el pensamiento conservador es la inclinación muy acusada a morali­zar comportamientos, inquietudes, deseos, en definitiva la vida misma. Por el contrario, se pone más acento en recupe­rar lo que este pensamiento llama las buenas costumbres, en cualquiera que sea el campo de la actividad y la expre­sión humanas.

Subyacen a mi juicio, en estas actitudes, otras de orden reaccionario, en la medida en que manifies­tan una nostalgia del pa­sado, es decir, un 'anhelo de la buena, la bella, la antigua época.' (Bloch). Es difícil sustraerse a la idea de que esta regre­sión conservadora no re­corre el pensamiento del Sr. Muñoz Molina, la cual demuestra una y otra vez en sus artículos escritos en EL PAÍS. Y si es respetable en tanto en cuanto es el punto de vista particular sobre unos fenómenos, tam­bién debe ser respetable una crítica muy severa pronunciada desde la ciudadanía (en este caso mi propia crítica). Since­ramente, me causa ver­dadero pavor leer el juicio de valor -que no observación u opinión sólamente- que usted emitió sobre la juventud (obviamente no sólo de Cáceres) en su articulo de fecha 5-4-95 aparecido en la página 11 de este mismo periódico. Es escalofriante su interpretación arbitraria de la misma, de­mostrando una falta de lucidez asombrosa acerca de todo lo que acompaña a este período de la vida. Y lo ha­ce, además, desde la posición de poder que le otorga su tribuna intelectual. Además de velar por la salud moral de la juventud, hágalo sobre todo por la suya propia.

Eugenio Castro (Grupo Surrealista de Madrid)

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Subirats y los independientes

Ésta carta, no publicada por El Mundo, fue enviada par el colectivo Alabastro en alusión al artículo "¿Hacia un final sin salida?" de Eduardo Subirats en El Mundo, 23-XI-1996).

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Quizá el Sr. Subirats debería quedarse en Princeton. No sé cuánto tiempo pasa en su país ni el contacto que mantiene con la cultura del mismo, pero parece que no mucho. El corazón de la vida li­teraria de este país, Sr. Subirats, está muy bien, gracias. Y hablo de la cultura que se vive día a día y que no surca océanos subsidiarios. Su academicismo al reducir la cultura al ambiente univer­sitario dice bastante poco de su apertura intelectual. La cultura late en cualquier esquina si el artista cree y, cuando así ocurre, la falta de atención por parte de las instituciones es lo menos importante. El 'forzado exilio' del que habla el Sr. Subirats me parece obvio en su caso, que no ha sido capaz de resistir en el anoni­mato trabajando humildemente por la cultura y, desde luego, esto me lleva a dudar de su 'eficiencia', ya que ha tenido que exiliarse para ¿alcanzar mayor pres­tigio y protagonismo? Lo que hay que hacer, Sr. Subirats, es quedarse aquí y abrir caminos, vivir el arte y la literatura como se come cada día, por verdadera necesidad. Acaso lo único 'putrefacto' sea su afán de protagonismo para figurar en las ¿altas instancias de la pseudo­intelectualidad?. Bueno, parece que lo está consiguiendo -premios, libros edita­dos, artículos de prensa-; nosotros -des­pués de cinco años de intenso trabajo­- no tenemos tanta suerte, quizá porque nuestro entusiasmo sí está enfocado a crear una cultura más allá de lo que se ve o quieren que veamos.

La 'otra España' no son precisamente Goytisolo o Valente. Vd. celebrará un congreso al que, una vez más y fotocopia de las instituciones oficiales, convocará a los mismos de siempre con otro collar.

Alabastro, Editores Indepen­dientes, Madrid.

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Gracias, Miguel

La siguiente carta está concebida con una voluntad puramente performática y experimental. El contenido expuesto es fruto de la simulación, su autor no es aficionado al ciclismo, sino que practica un juego de lenguaje para movilizar los residuos de irracionalismo nacionalista que conjuga el deporte. Se envió a los tres diarios nacionales de mayor tirada (ABC, El País y El Mundo) antes de la retirada efectiva de Induráin. Tal y co­mo estaba previsto, no apareció en ninguno.

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Incluso las mentes más claras y críticas del país, aquellas que se escandalizan por la omnipresencia del fútbol en nues­tra vida y denuncian la dictadura social de los medios audiovisuales no dudan en exaltar, comprender, defender y venerar a Miguel Induráin. Tal consenso cultu­ral tiene un nombre en antropología: mito. El mito hace referencia, en primer lugar, a una narración sobre seres divi­nos o héroes fundacionales (nacionales), pero también a estructuras consolidadas de pensamiento que funcionan como sustrato cultural que se da por supuesto sin necesidad de demostración racional. El mito es el conglomerado que aúna y sistematiza los elementos distintos de la cultura. Su acepción etimológica desvela también su aspecto pragmático, que es el que en la actualidad se ha consolidado como "proyecto" o "maquinación", es decir, artefacto del poder para catalizar voluntades.

Miguel Induráin ha sido, en efecto, nuestro último héroe épico. Enamorados de su divina humildad hemos terminado creyendo que lo amamos por sí mismo, y no por los impulsos tribales que nosotros depositamos en él. Los deportistas son humanos, pero Induráin no lo fue durante un tiempo ni ha sabido volver a serlo: los deportistas luchan por romper sus propios límites, pero los dioses dejan caer sólo su autoridad. Los deportistas se escapan, baten records, rompen el fuera de juego, pero los dioses castigan al rebelde, hunden al osado y pitan penaltie. Después simplemente se mueren, porque nunca habían existido en sí mismos. Durante estos años la la­bor de Induráin se ha ubicado en las an­típodas de ese gran deportista que es Tony Rominger, luchador, revivido cada vez que los fanáticos del 'rey' lo daban por vencido, superviviente sin embargo al imperio de su verdugo, al que ha ter­minado enterrando. Porque Induráin nunca creó juego, nunca puso entusias­mo en la carrera: era (era) un pulsóme­tro. Después de Induráin el ciclismo vuelve a ser divertido y apasionante.­

Luis Navarro. Madrid

El Terrible Burgués

Postal de adhesión a la Huelga de Arte y algunas acciones en Cuenca y Granada (1997-1999). La última foto contiene un link a su web actual.

radikales livres

Hacia finales de 1997 industrias mikuerpo abandona progresivamente los trabajos y ediciones en el campo de la poesía visual y el arte y se decanta por una vía y un público más centrado en la crítica política y la difusión teórico-revolucionaria. El distanciamiento de la práctica artística venía de alguna forma determinado por la ideología antiartística del proyecto, que buscaba un marco nuevo para estas actividades y reclamaba no ser ubicado en el contexto de la vieja práctica. A medida que mikuerpo avanzaba hacia su disolución en una práctica difusa y colectiva, que basaba su nueva eficiencia en la desidentificación, iba invirtiendo más medios y energía en la divulgación de contenidos y en el desarrollo de su dimensión crítica e iconoclasta. El formato mínimo del Sign'zine reveló su eficacia para la difusión rápida de panfletos, análisis y reflexiones en la órbita de la tradición situacionista y de las nuevas formas de acción y acabó mutando en una nueva fórmula de edición que se llamó radikales livres. La idea de estas publicaciones era poner a disposición del medio antagonista traducciones y textos recuperados en pequeñas tiradas para que fuesen reproducidos a conveniencia por distris alternativas y particulares, en lo que suponía de nuevo una fórmula barata y eficaz de distribución fiada al contagio y la replicación vírica.

¿Dónde estás?

Un relato postal de Luis Ruid
publicado en Amano 1 (1995)

Ilustración de Miguel Sotos

Stidna!

Un pequeño reportaje en el # 4 de Amano (1996) registraba la actividad del grupo Stidna!, que había decidido aparecer en público tras tres años de práctica militante y anónima. Como otros proyectos a los que habíamos prestado atención, el interés de Stidna! dentro de los circuitos de mail-art residía su experimentación más allá de los contenidos y de los códigos, en el plano de la pragmática de la comunicación. Desde entonces el colectivo de María Cosmes y Carlos Pina ha desarrollado numerosos proyectos en los campos del mail art, la poesía visual y la performance que pueden segurise en su web oficial.

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Stidna! es una acción de agitación artística en el campo de la comunicación. Esta acción se inicia en octubre de 1993 con el objetivo de denunciar la manipulación interesada del lenguaje. Stidna! pretende llamar la atención sobre el poder de la palabra, especialmente de la palabra escrita, y denunciar ciertas actitudes y tics dentro del lenguaje de los medios de comunicación que pueden transmitir, consciente o inconscientemente, valores negativos.

Durante su primer año de existencia, Stidna! ha desarrollado un trabajo de experimentación formal en los ámbitos de la poesía visual y el mail-art. A partir de material extraído de la prensa, Stidna! realiza una doble manipulación de la información. Por una parte hay una manipulación formal: selección de textos y composición de formas. La técnica empleada es el collage, montaje de fotocopias y técnicas infográficas. Al mismo tiempo se efectúa una manipulación simbólica en la que se despoja la información recibida de las mistificaciones del discurso mediático para revelar significados enmascarados por aquél. Stidna! manipula críticamente, aunque sin tergiversar la información que recibe.


Rasgo fundamental de Stidna! es la constante referencia a las fechas, a la memoria inmediata, perdida en medio del continuo bombardeo informativo de los medios de comunicación. Stidna! elude la explicación de su logotipo con el deseo de incitar al receptor-observador a una búsqueda imaginativa y crítica de su significado.

Stidna! recupera la creencia en la necesidad del compromiso ideológico por parte del artista. Tres bloques temáticos han constituido el objeto de esta primera etapa. El primero de ellos denuncia actitudes sexistas y racistas, así como la banalización de la guerra y la muerte en los medios informativos. El segundo trata el poder de la imagen y de los medios de comunicación. El último bloque temático permite denunciar la confusión ideológica generada por el poder a través de la manipulación del lenguaje, en beneficio propio y en detrimento de las libertades.

Los destinatarios de Stidna! han sido los medios de comunicación. Su originalidad como mail-art estriba en su autolimitación; nunca pretendió el diálogo ni la difusión pública, sino establecer unos cauces de comunicación estrechos entre autor y destinatario, una relación desigual, asimétrica, reflejo de la relación entre los medios de comunicación y su audiencia. Los medios de comunicación controlan tanto los contenidos de los mensajes que emiten como los contenidos y la difusión de las respuestas generadas por la audiencia. Convencido de la imposibilidad de controlar el propio discurso librado a los medios de comunicación, Stidna! optó desde un primer momento por la acción postal anónima, para evitar la disolución de su mensaje dentro de la dinámica de los medios. Stidna! nunca pretendió llegar a la opinión pública a través de los medios de comunicación, sino llamar la atención de aquellos que sí tienen el poder y los medios de crear opinión.


Sin embargo, Stidna! ha decidido darse a conocer, después de una larga reflexión, para denunciar públicamente esa estéril relación monologante. La línea artística desarrollada a lo largo del primer año de existencia de Stidna! ha significado solamente una etapa dentro de la trayectoria del colectivo. Stidna! quiere presentarse públicamente para dar a conocer el trabajo de todo este periodo y cerrar así la primera etapa de este proyecto de agitación.

María Cosmes-Carlos Pína

Cuadernos Itinerantes

En 1996 Mikuerpo puso en marcha, a través del número 3 de su fanzine (formato sobre de mail-art), una convocatoria que supone una alegoría visionaria de la cultura de redes. Se trataba de subvertir el flujo de la comunicación entregando al receptor un soporte en blanco sobre el que expresarse y haciéndole participar así de una empresa de creación colectiva.

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Tienes en tus manos un Cuaderno Itinerante editado y lanzado a la red postal de modo gratuito por el colectivo de acción estética Industrias Mikuerpo de Madrid a través de la publicación Amano. Un Itinerante empieza siendo un soporte virgen de papel maquetado en forma de fanzine y presentado para que se exprese en él el/la receptora. Est* puede hacerlo utilizando de cualquier modo la superficie puesta a su disposición: marcas manuales (dibujos y textos), informáticas, electrográficas, pegado de fotografías, collages y otro tipo de objetos, puede utilizar la tijera y el punzón, la grapadora, el perforador, la aspiradora o el martillo. La posición de la grapa encuadernadora permite sacar y meter las hojas con relativa facilidad para realizar las manipulaciones necesarias.

Una vez que el/la receptor* se ha expresado marcando la superficie a su gusto y criterio, lo envía a otra persona para que haga lo propio. La red postal de Industrias Mikuerpo es completamente abierta: cualquier dirección es válida (pues éste es un juego de azar), de modo que puede enviarse a personas que no integren ni conozcan la red habitual de distribución de Amano, siempre que l*s destinatari*s no se alimenten de papel barato (pues es un azar controlado). Lo que quedará al final es un ejemplar único de la primera revista simultánea del estado. En el momento de su emisión, todos los ejemplares son iguales salvo en la numeración; después de haber reunido sus propias experiencias en su viaje único cada uno quedará individualizado. En el plano simbólico, será el producto de una labor de creación colectiva, una microsociedad con sus propias leyes y eventos.

Si no se te ocurre a quién enviarlo encontrarás en las últimas páginas un listado azaroso de direcciones de la red Mikuerpo y de networkers del estado que comprenderán sin duda el alcance de esta iniciativa y pondrán cuidado en no castrarla. Por favor, no apalanques este material: muere en cautividad. Si no se te ocurre nada o no te sale de dentro ponlo en manos de otra persona, vía postal o de otra manera. Si el soporte está más o menos lleno devuélvelo a nuestra dirección en Madrid. Con el material recibido, que no será todo el emitido, industrias MIKUERPO tiene previsto realizar una exposición antes de reintegrar los ejemplares a la red (uno por persona y equipo) en razón del esfuerzo invertido en esta idea.

MÁRCAL* Y DESHAZTE DE ÉL/LA

Laboratorio Excéntrico

Reproducción de la entrevista realizada a Nel Amaro para la Genealogía de la prensa marginal española en el número 3 del fanzine Amano (1996). Ese mismo año, Nel participó con su programa Acciones en el Ciclo de Autoproducción Creativa desarrollado por Industrias Mikuerpo en la Facultad de Bellas Artes de la UCM.

Mieres, 1946. Escritor, poeta y dramaturgo, comienza a trabajar en el campo del arte hace unos cinco años, como poeta visual primero, y posteriormente ampliando su actividad a la pintura, las instalaciones y performances. Ha escrito Responsos laicos (1979), Habitación de poeta (1982), Y tú Marta B... (1990), Antígona, por exemplu (1990), Poemas de San Francisco y Na borrina.
Numerosas exposiciones colectivas y una veintena de ellas individuales. Practica el mailartismo, con más de dos centenares de convocatorias en su haber. Su obra "gráfica" (poesía visual) se publica en revistas como Piedra Lunar, Docks, Univers, La Nevera, Dimençao, Píntalo de verde, Sense Títol, etc. Figura en varias antologías de poesía visual (Poesía Visual, Oviedo 1991; La factoría Valenciana, Valencia 1992; Poesia Visual, Terrassa 1992; Inismo espagnolo e argentino, Italia 1992; Poesía Experimental, Barcelona 1993).
Organizó la Primera Muestra Internacional de Arte Embotellado (1990), tres ediciones de Pa Velo (1990, homenaje a Julio Campal; 1992, homenaje a Antonio Gómez y 1994, homenaje a J. E. Cirlot), y organizó el Primer Encuentro de Performance y Arte Alternativo "Lena 95" en marzo de 1995 en Pola de Lena, Asturias. Entre sus performances estrenadas figuran Dialéctica; 820 actos de amor, exactamente; ¡No hay color!; 91 metros de música para civiles con síndrome cuartelero y el trabajo de land-art Ejercicio práctico sobre una teoría keynesiana. Su última exposición de poesía visual Diario del Amanuense ha ocupado la sala Celso Granda de Pola de Lena del 1 al 15 de febrero.
Es fundador del colectivo experimental Auxilios Mutuos S.L. (1991), del Laboratorio Excéntrico (1993), y de Mail Art Archive Turonés y Espacio Excéntrico Arte (1994).

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Industrias Mikuerpo: Breve repaso a tu trayectoria intelectual hasta la fundación el Espacio Arte Excéntrico.

Nel Amaro: Antes de la fundación de ESPACIO ARTE EXCÉNTRICO mi trayectoria era fundamentalmente "literaria", poemas, relatos cortos, novela, y como en la prehistoria ya, el teatro (actor, director y autor), con obras estrenadas por grupos del teatro asturiano y más de una docena de libros publicados. Y también, desde 1989, la poesía visual/experimental, otro invento llamado "AUXILIOS MUTUOS S.L." ya fenecido. Por lo demás... soy un producto de las cloacas de mi barrio, de estas "cuencas" ex-mineras que imprimen un cierto "carácter".

IM: A grandes rasgos ¿qué peripecias fundamentales ha corrido la escena marginal en la cultura española desde la muerte de Franco?

NA: Creo que es a partir de entonces, de la muerte del citado personaje, cuando se puede hablar de escena marginal (española), o eso creo, pues en vida del General(ísimo) el realismo social y sus valedores parecían oscurecerlo todo, aunque por ahí estaban Julio Campal y compañía para desmentirlos. Las expectativas puestas en la democracia por la "marginalia" patria parecen haber sido defraudadas y es ahora cuando, contra tanto oficialismo y museo de cartón piedra, la escena marginal se apura y se pone a funcionar. Ésta sería su peripecia fundamental: una toma de conciencia, si así se le quiere llamar, TARDÍA, pero...

IM: ¿Qué es/cómo se mueve Espacio Arte Excéntrico? ¿Qué propósitos inspiran sus primeros momentos?

NA: ESPACIO EXCÉNTRICO es un espacio INEXISTENTE, o que EXISTE allí donde ACTÚA, salas convencionales o lugares elegidos por el propio ESPACIO o sus "clientes": parques y jardines, escombreras, polideportivos, escuelas, granjas, sótanos, tabernas, etc. El propósito es dar a conocer, siempre que sea posible, trabajos EXPERIMENTALES principalmente en una región, ASTURIAS, y en una "zona", las cuencas mineras, donde el ARTE de primera línea, los experimentalismos y novedades, cuentan con escasísimos apoyos, oficiales y particulares. Nos inspiramos en la maleta de Duchamp, y pensamos que si todo cabe en una maleta, o lo que es más, "aquí dentro", en nuestro cerebro, ¿para qué faraónicos espacios subvencionados con las pelas de los conciudadanos, a quienes esto del arte se la suda?

IM: Trayectoria del proyecto en estos dos años y pico. ¿Alguna frustración? ¿Cuántos éxitos?

NA: El proyecto "va", lo que ya es mucho, pero mientras yo esté "enganchado" a él e ilusionado no morirá, ESPACIO ARTE EXCÉNTRICO seguirá dando caña en el desierto (asturiano), pues es MI PROYECTO. No hay lugar para las frustraciones, sino para el trabajo diario, a la busca de "actuaciones", que van surgiendo poco a poco, con los éxitos de comparecencias en Asturias, ahora, y antes en diferentes lugares de España (Vitoria, Zaragoza, León, Ondárroa, etc.). El mayor éxito es sobrevivir con excelente salud y ser cada día más conocidos en todas partes. Aunque, en verdad, tampoco esperaba menos.

IM: ¿Qué significa hoy "independencia estética"?

NA: ¡Cuán duro me lo ponéis! ¿Independencia, y además estética? ¡Uf! Creo que independencia estética e independencia económica pueden ir de la mano. La "subvencionitis" ha hecho mucho daño a los artistas (entre otros elementos de la sociedad española). El que subvenciona, compra o apoya suele exigir el "menú", un "menú" digerible. ¿Está contestada la jodida pregunta?

IM: ¿Se puede sobrevivir sin explotar la propia creatividad en una sociedad sostenida económicamente por actividades alienantes?

NA: ¿Y me lo dices tú a mí? Me resultaría imposible si no fuera así, si cada día, en cada momento, no intentara "sacar" algo de mi interior y fuera un ente pasivo y amorfo, apoltronado ante el último derby futbolístico, por ejemplo.

IM: ¿Cómo expresarías el sentido de las vanguardias? ¿No piensas que muchos gestos de este tipo se condenan a sí mismos a la replicación teatral de una ruptura que ha perdido su eficacia?

NA: De todo hay en la viña del señor y en la de las vanguardias. Quiero decir que sí, que efectivamente, que estamos asistiendo, ahora mismo, a una vuelta de tuerca que, ¡ale hop!, nos re-presenta a las vanguardias momificadas y fuera de su contexto, con fines mercantilistas, de los que huyeron precisamente aquellos locos vanguardistas. Es como si dijeran, los expertos y críticos, los "comisarios" y políticos de turno, ¿véis en qué acaban los disidentes y las disidencias estéticas? Sin las vanguardias no habría retaguardias, todo sería plano en el mundo del arte, en nuestra sociedad. Van tirando del resto del convoy, si se me permite la metáfora.

IM: ¿Crees que es un buen momento para la emergencia de iniciativas auténticamente independientes en la escena cultural?

NA: ¡Pues naturalmente! ¿Entonces? No me caben dudas: cualquier momento es BUENO para CREAR desde "afuera" y desde la independencia económica e ideológica. Si yo lo hago ¿por qué no va a ser posible aquí y allá?

IM: ¿Se puede combatir la cultura espectacular desde el "espectáculo"? (pregunta capciosa)

NA: A preguntas capciosas, rspuestas necias ¿vale? No sé si "combatir" es la palabra adecuada (digamos que sí lo es), pero es la única "salida", el único modo de "estar" y hacerse notar, dando el espectáculo a toda esa basura que llaman arte (o cultura), y sabemos todos de qué estamos hablando.

IM: ¿De qué hablamos cuando hablamos de "Belleza"?

NA: Generalmente del culo de Victoria Abril o de las tetas de Marlene no sé qué (pronúnciese "Mogó", ¿no?). De eso y de cosas semejantes, al menos en mi caso, pero jamás de lo que define como BELLEZA el Diccionario de la Academia.

Papel de Occidente

Acción postal llevada a cabo en 1.995, consistente en una serie de cartulinas A4 dobladas por la mitad para su envío sin remite a diferentes direcciones, conteniendo en su interior fotografías de periódicos recicladas y desviadas de los conflictos vigentes en Yugoslavia y Palestina. Se trata de una reflexión doblemente irónica sobre el papel de la ayuda humanitaria en los conflictos internacionales y sobre la función social de la prensa en el mundo occidental.

Merz Mail

La aparición de P.O.Box, el primer zine de España dedicado exclusivamente al mail-art, junto a boletines como AMAE en Madrid, BOEK en Tarragona o el intento de Amano de crear una red de creadores y publicaciones alternativas, relanzaron a mediados de los 90 la práctica mailartística en España. El descubrimiento de P.O.Box supuso un antes y un después en las prácticas de industrias mikuerpo e inició una intensa relación de hermanamiento entre publicaciones. Ésta fue la entrevista que hicimos a los miembros de la Factoría Merz en el # 8 de Amano, en el verano del 97.


Industrias Mikuerpo: ¿Merz-Mail es una persona, un colectivo, un concepto o un medio de comunicación?

Merz-Mail responde a la utilización de dos palabras que tiene su origen en una de las primeras exposiciones que organizamos en Barcelona: Hommage to Kurt Schwitters. MERZ es el nombre que Schwitters dió a casi toda su obra plástica, sobre todo los collages. Es un pequeño homenaje a Kurt Schwitters y al Mail Art. Nació como un alias, aka o pseudónimo pero a lo largo de estos últimos años ha ido evolucionando como entidad propia, pasando del yo al nosotros. Como leímos en un Amano recientemente ha pasado a ser la Factoría Merz Mail, por lo que cualquiera de las alternativas que propones en la pregunta sería totalmente válida. El trabajo personal desapareció a partir de la primera exposición celebrada en Barcelona en 1993 con nombre propio. Desde entonces desapareció el individuo y empezaron a aparecer otros nombres como Anna Blume Fan Club que ha firmado convocatorias, recitales o exposiciones y recientemente Luther Blissett. Nuestro trabajo en el Mail Art es relativamente reciente, procedemos de Estudios de Escultura en Escuelas de Artes y Oficios y Facultad de Bellas Artes. Las dimensiones y aparatosidad de las obras en escultura y los planteamientos decimonónicos de la Facultad, aparte de nuestra preocupación por los aspectos más sociológicos del arte y una admiración por las vanguardias históricas (Dada y Merz), que consideramos no han sido ni bien estudiadas ni superadas todavia, nos llevó a replantearnos nuestro trabajo en el mundo del arte. Desconocíamos el Mail Art hasta esas fechas y un trabajo de investigación que iniciamos desde la Facultad de Bellas Artes como trabajo de curso nos lo fue descubriendo poco a poco, pero nos topamos con una ausencia total de textos y bibliografía sobre el tema. Conforme nos íbamos introduciendo en el Mail Art, más fascinados estábamos por su enorme potencial en todos los campos del arte, así que dejamos la facultad para dedicarnos exclusivamente no solo al trabajo dentro de la Red, sino también a difundirlo.

IM: Para quien tenga una conciencia difusa de ello, o simplemente no lo conozca, ¿podrías perfilar lo que es el mail-art?

Resumir en pocas palabras qué es este vasto movimiento mundial, en el que participan simultáneamente miles de personas de todos los continentes desde hace cinco décadas, es una tarea de por sí incompleta. Los orígenes podríamos situarlos en la Black Mountain de Carolina del Norte en los 50, los moticos de Ray Johnson -collages que Ray enviaba a sus amigos-, la New York Correspondence School, las reuniones "nothings", nadas, alternativa a los happenings de la época... El intercambio de material artístico, el envío de piezas por correo con la consigna "altéralo y devuélvelo o pásalo", empezó a circular en un principio en un grupo reducido de artistas que poco a poco se fue ampliando y extendiendo universalmente. Encontramos asimismo precedentes en Dada, Merz y los futuristas, desde las postales de Duchamp, las de Schwitters con su rostro manipulado, además de la utilización de Schwitters de los sellos de goma en algunas piezas o los envios de Marinetti que dejaba al azar del empleado de correos la manipulación final de la pieza. Posteriormente a la New York Correspondence School aparecieron algunos trabajos de Fluxus en este sentido, sellos de artista y demás como el sello azul de Ives Klein. Tenemos pues la manipulación que produce el envío postal, la utilización de la parafernalia postal: sellos de goma, sellos de artista, sobres manipulados, postales, que marcan sobre todo un aspecto puramente formal de la obra. Pero el arte postal va mucho más allá, pues ha incorporado todas aquellas manifestaciones que están interveniendo en el arte de los últimos años. El arte postal ha representado y aún representa un modelo envidiable de "red alternativa" de contacto que opera a escala mundial con libertad total, además sin fines lucrativos.

El arte por correspondencia expresa en general un rechazo claro de las opiniones de la crítica y las reglas del mercado del arte, propone una participación democrática y una confrontación cultural descentralizada. No existe selección, competición, premio o censura en los proyectos colectivos de mail art; cualquiera puede participar, todo el material recibido es expuesto. Todos los participantes reciben documentación gratuita. Pero aún más estimulante, además de la exposición y el carácter divulgativo, es el contacto íntimo y personal, la posibilidad para cada uno de los networkers de tejer una red de contacto a su medida para desarrollar concretamente sus intereses y proyectos personales, para encaminar un diálogo sobre una base igualitaria con otros artistas lejanos que viven en diferentes realidades.Y funciona bajo los supuestos de: no hay jurado, ni selección de las obras, no se rechaza nada, no se devuelve nada, y todos los participantes recibirán información sobre la exposición...

IM: ¿Podrías desarrollar los caracteres que exhibe como tal "modelo envidiable de red alternativa"?

En el origen, en los años cincuenta, la estructura de la red era pequeña, centrada en un grupo de artistas de EEUU que intercambiaban sus trabajos artísticos, pero cada uno de ellos, o al menos varios de ellos fueron extendiendo el circuito a nuevos componentes, y estos mismos a otros tantos. En pocos años se extendió como una mancha de aceite a nivel universal, el virus fué creciendo y engendró un cuerpo que tenía vida por sí solo. No tenía ninguna cabeza ni forma organizativa alguna, no existia ningún tipo de coordinación entre sus miembros: entrar o salir del Eternal Network ha sido siempre un acto voluntario. La red está ahí omnipresente a pesar de todos. Pero no existe tampoco "la red", cada uno de sus miembros es un nodo de la misma, y tiene su propia red, que se entrecruza con las de otros. Nadie puede, aunque lo intente, acaparar, centralizar, coordinar, etc. la estructura de la misma en un ámbito geográfico. Las convocatorias abiertas, en las que no se rechaza nada, se exponen todas las obras recibidas, no hay censura, no hay premios, no hay jurado, son un elemento participativo absolutamente democrático, que además origina una información a la que más tarde tienen acceso todos los participantes: las listas con direcciones de los mismos. Estas listas son en ese momento una nueva red, que unida a otra y otras van configurando la red de redes, abiertas a cualquier persona que quiera participar, intercambiar, contactar etc. Creemos que no existe nada parecido a nivel universal, pues el correo, salvando las distancias de las situaciones límites como la censura política o las regiones más pobres del planeta, es una forma accesible a todo el mundo. El estado "garantiza" su funcionamiento. La utilización de otros medios como el teléfono, el telegrama, el fax o internet acelera en el tiempo esta comunicación e intercambio, pero tiene también otros inconvenientes. Existe otra forma de intercambio que cada vez se está usando más, que es el turismo del mail art; publicamos unas frases de Ruggero Maggi en un P.O.BOX hace algunos números que venían a decir lo siguiente: "Después del correo, el teléfono, el fax e internet, el futuro es el contacto personal".

IM: La estructura del intercambio ¿ha provocado alguna vez conciencia de "movimiento"? ¿Ha unificado los criterios?

Aunque solemos utilizar la expresión "el mail art es el mayor movimiento artístico de todos los tiempos", no estamos seguros que sus practicantes consideren que forman parte de un movimiento, al menos un movimiento organizado. Quizás habría que definir mejor esta expresión , y acercarnos más a un movimiento difuso en el que no hay unidad de criterios, pero sí acuerdos no escritos que definirían algo así como el espíritu del mail art, un movimiento difuso en el que da la sensación que se forma parte de algo; no una asociación, ni un club, pero sí algo con capacidad de respuesta ante muchos acontecimientos de la vida civil. Observando el tipo de convocatorias, planteamientos estéticos de las obras, los motivos y el talante de los participantes, podríamos afirmar que la tolerancia, la hermandad, la amistad, el desinterés, la generosidad, la igualdad, y todos aquellos valores positivos que aún quedan en los hombres y mujeres forman parte de lo que llamanos el espíritu del mail-art por encima de creencias religiosas o de ortodoxia política.
En los congresos descentralizados que se han realizado hasta la fecha (consistentes en reuniones de mailartistas de la misma región geográfica, o simplemente de dos mailartistas distantes que coinciden en un lugar y tiempo; el intercambio de información, incluso de ponencias sobre sus propios criterios, puede quedarse entre los reunidos o extenderlo a la red), las ponencias, información, o criterios no son vinculantes, pero ayudan a unificar más que a separar planteamientos y sirven para vehicular propuestas más cálidas que las que se producen a nivel postal.

IM: ¿Qué incidencia ha tenido el mail-art en España?

En el año 1973 se organizó en la Escuela de Diseño Eina de Barcelona una exposición de Mail Art, previa convocatoria, suponemos que como experiencia de trabajo para los alumnos que cursaban sus estudios allí, de la cual nos ha sido imposible encontrar ningún tipo de información; unos años más tarde, en 1978, Mata organiza una gran exposición que se celebra en la Casa del Siglo XV en Segovia, de la que se editó un interesante catálogo (una carpeta din A5 con fotocopias de las obras en este tamaño); el tema de la convocatoria era "Blanco sobre Negro", una clara alusión a la fotocopia. Aunque en este catálogo consta el nombre y país de los participantes, que fueron muchos, carece de direcciones de los mismos. Mata sí trabajaba como networker en esa época. Posteriormente, en 1980, Rafael Tous, más que networker coleccionista de arte contemporáneo y dinamizador de todas las nuevas tendencias del arte, organizó una gran exposición en su propia galería, Metronom, de la que se editó un estupendo catálogo y en la que participaron muchos de los que ahora siguen trabajando en la red. Este catálogo sí contenía las direcciones de los participantes, dato importantísimo para extender la propia red. Entre 1981 y 1984 SIEP (Sapigues I Entengis Produccions) de Reus, donde encontramos a Francesc Vidal, editor de la revista Fenici, realizaron una campaña de agitación y provocación artística a partir de envíos postales de todo tipo, que han continuado en el año 1995 bajo el nombre de Fills Putatius de Miró, esta vez enviando tarjetas postales con diversos mensajes. En los 80 hubieron algunas pequeñas exposiciones, en Figueres y Pamplona (1981), Pontevedra (1983), Lleida, Olot (Girona), hasta la gran muestra que se organizó en Terrassa en 1988. La mayoría de los "antiguos" mailartistas que siguen trabajando en la red empezó en esta década, aunque de forma individual, trabajando en las convocatorias de fuera, sin olvidar la enorme actividad de las compilaciones de poesía y mail art. En los 90 encontramos diversas exposiciones organizadas por networkers que siguen trabajando en el mail art en la actualidad: Transfiguración, organizada por Pedro Bericat en Zaragoza, Muestra de Mail Art en Alcorcón a cargo de Ibirico, Mail Art reciclado del Taller del Sol en Tarragona, donde encontramos a Cesar Reglero, BCN 93 organizada por Pere Sousa en Barcelona, Bosnia-Herzegovina organizada por el Taller del Sol, El surrealismo y el mar por Julio Sánchez en Zaragoza, Homage a Kurt Schwitters en Barcelona organizada por Merz Mail, exposiciones realizadas en Riudebitlles y Vilafranca (Barcelona) por Denominació d'origen, muestra del Mail Art organizada por el Colectivo ACAM en Barcelona, Exposición de Mail Art en Montcada i Reixac (Barcelona), y así hasta las más recientes, sin olvidar las compilaciones como Píntalo de Verde de Antonio Gómez (Mérida), Piedra Lunar de Corpá (Bargas -Toledo), Las Carpetas "El Paraiso" de José Luis Campal (Pola de Laviana- Asturias), Palo Velo de Nel Amaro (Turón-Asturias), los envíos sistemáticos del grupo Koniec de Madrid, La Compañía de Granada, El colectivo Stidna! de Barcelona, y un largo etc. o las convocatorias de Copy-Art como American Gothic en Barcelona o Arte por fotocopia de Industrias Mikuerpo. Nos habremos dejado muchas convocatorias y exposiciones que mencionar, pero esta relación es una muestra de que desde hace 25 años se vienen celebrando exposiciones en nuestro país. Pero creemos que la continuidad ha sido más bien escasa, salvando unas pocas docenas de artistas que continúan participando en las innumerables convocatorias que surgen cada día. Respondiendo en concreto a la pregunta, pensamos que la incidencia del mail art en la cultura artística de este pais ha sido más bien escasa, la difusión por los media es casi nula, por lo que la información sobre el fenómeno está al alcance de los participantes y el público que asiste a las muestras sólamente. No obstante diversas actividades que se organizan en los últimos años, rozan, utilizan y se acercan a la red del Mail Art utilizando los directorios, el sistema de convocatoria, los contactos, etc.

IM: ¿Existían revistas especializadas en mail-art antes de P.O.Box?

P.O.BOX surgió bajo la necesidad de encontrar editado aquel material que nos hubiera gustado leer en su momento. El primer número se editó en marzo de 1994. No tenemos noticia que existiera un zine ni otro tipo de publicación de Mail Art en nuestro pais hasta esa fecha, por lo que nos dispusimos a editarlo mensualmente con artículos, convocatorias, reproduccion de piezas, etc., casi como una labor de proselitismo, para difundir aquellas ideas que consideramos revolucionarias en el concepto del arte de nuestro tiempo.

IM: ¿P.O.Box asume esa inclinación revolucionaria además de ser un zine de mail-art o porque es un zine de mail-art? ¿Puedes señalar algunos contenidos calificables de ese modo que se hayan originado o circulado en la red de mail-art?

P.O.BOX asume lo de revolucionario que tiene el mail-art en sí mismo, como estructura y planteamiento artístico. El mail-art siempre se ha caracterizado por entender el arte en su aspecto más sociológico. La respuesta sería ambigua, las dos opciones son posibles, aunque nos acercamos más a la primera. P.O.BOX es un zine de mail art, pero además de tratar cada uno de los métodos de trabajo dentro de la red en su aspecto más formal, la propia historia del movimiento, trabajos de investigación, bibliografía, poesía experimental, etc., trata también los aspectos ideológicos del mismo, y todo aquello que tenga que ver con la ideología del arte en general. El mail-art ha asimilado desde sus orígenes los aspectos más tangenciales, lo que otros llaman más marginales del arte, desde la fotocopia, los sellos, los sellos de goma, la performance, la experimentación sonora, el fax, el arte en la red electrónica, etc. Los creadores que trabajan estos medios suelen utilizarlos llevándolos a sus extremos, medio/mensaje, significante/significado, a terrenos de connotaciones rupturistas con las ideologías dominantes, cultural, social, políticamente... El soporte barato, de fácil acceso y reproducción, facilita la difusión de ideas, apropiándose de medios inimaginables hace unos años, como la fotocopia, el sello o internet. Recoger y difundir estas experiencias ha sido el trabajo de diversas publicaciones entre las que nos encontramos, que han funcionado como vehículo de difusión, discusión y punto de encuentro. Hemos acogido en nuestras páginas en los últimos números diversos artículos relacionados con la convocatoria de Huelga de Arte para los años 2000 y 2001 en Barcelona y Madrid por Luther Blisset, Karen Eliot y Monty Catsin, pero al mismo tiempo otras opiniones divergentes. Creemos que la discusión es la única forma de enriquecer esta propuesta para que deje de ser sólamente una consigna.

Por otro lado, y continuando con la pregunta en sí misma, respecto a situaciones concretas, no sabemos si lo llamaríamos revolucionario, pero sí que diversos grupos, colectivos o individuos preocupados por una sociedad más igualitaria, al menos por ahora, han hecho circular desde los orígenes del mail art convocatorias y envíos relacionados con la lucha por los derechos humanos, contra la pena de muerte, contra la discriminación por comportamientos sociales, contra la desigualdad marcada por el sexo, etnia, color, sensibilización ante el tema del Sida, las guerras, el hambre, etc. Son conocidas y demasiadas las convocatorias con estos temas para enumerarlas todas. Sólo hay que echar un vistazo al Global Mail en el que se publican más de 400 convocatorias cada cuatro meses. Y no olvidemos la lucha por la libertad en las dictaduras recientes, tanto en America Latina como el este de Europa.

IM: En el capítulo anterior se pronunciaban a propósito de la huelga algunos componentes del Grupo Surrealista (a título personal y no de grupo, como muestran sus diferentes estimaciones). En números sucesivos de P.O.Box hemos visto también artículos en pro y en contra de la huelga de arte, lo que, pienso, confirma que vuestro objetivo es la comunicación y no el simple panfletismo. No obstante, ¿cual es vuestra posición con respecto a la misma?

Algunos de nosotros trabajamos por cuenta ajena y conocemos muy bien el significado de la palabra "huelga" aplicada a las relaciones sociales, laborales y políticas. El camino hacia la huelga nunca es fácil, supone normalmente largas sesiones de discusiones, amargas en muchos casos, en las que las posiciones antagónicas suelen ser irreconciliables, por lo que se pierden algunos amigos en el camino. Durante la huelga los trabajadores pierden su salario e incluso el trabajo, además hay que tener en cuenta que la mayoría de las huelgas se pierden, por lo que la huelga aplicada a cualquier fenómeno, y en este caso al arte, no es precisamente un camino de rosas y dista mucho de ser una alternativa cómoda y fácil, lejos del triunfalismo, el éxito, y no hablemos del narcisismo que envuelve al mundo del arte. Generalmente, la poca solidaridad que manifiestan la mayoría de artistas la podríamos comparar con los maratones televisivos de caridad, mucho espectáculo, quedar bien, estar ahí y sobre todo autopromoción personal. P.O.BOX está apoyando desde el principio esta convocatoria, hemos publicado sus manifiestos y también hemos creado una tribuna abierta para la discusión sobre el tema. Creemos que algunas respuestas contrarias a la huelga son acertadísimas. Aunque parte de nuestro objetivo sea la comunicación, nuestra posición está muy clara desde el principio. Ya en el número 8 (marzo del 95) de P.O.BOX, había en la portada un llamamiento a la huelga de arte. Nuestra posición como activistas del arte será la de cesar totalmente durante la huelga, tanto en el aspecto creativo como editorial. Estamos pensando mantener las páginas que tenemos en internet (http://www.abaforum.es/merzmail) y cederlas a Luther Blisset, Karen Eliot y Monty Catsin para que hagan una continuidad de la Huelga, así como cederemos también nuestro espacio en las ondas (el programa semanal P.O.BOX en Radio P.I.C.A), a los convocantes. Ya buscarán ellos un nombre para estos dos años, por si creen conveniente utilizar este medio de difusión en Barcelona. Y no sólamente esperamos que los creadores se sumen a la Huelga, sino también el público, que esperamos deje de asistir a cualquier actividad artística en las galerías, locales alternativos, museos, etc. que se dedicarían a otra cosa, así como comprar las revistas, fanzines y demás publicaciones que no publicarían nada referente al arte. Creemos que las circunstancias culturales son las idóneas para esta convocatoria: se han digerido mal algunas vanguardias históricas y nos encontramos con un panorama desolador. Además las fechas tienen una carga simbólica importante.

IM: Entre los argumentos en contra creo que destacan a) los que denuncian la falacia de considerar al artista un trabajador especializado como los demás (de lo contrario, no tendría derecho a la huelga); b) los que insisten en ubicar la 'fuerza simbólica' de las fechas y en general, el retorno de conceptos como el de 'huelga' o 'vanguardia' en el marco de un retorno de viejos mitos. Y c) Los que temen que, si se calla el cantor, calle la vida. ¿Cómo racionalizáis estas tres posturas?

Estas preguntas deberían responderlas los convocates de la huelga: Luther Blisset, Karen Eliot y Monty Cantsin. Nuestro papel como editores de P.O.BOX, por ahora, es publicar tanto los manifiestos o textos de los convocantes como de los detractores de la misma, a pesar que hemos dejado suficientemente claro nuestro total apoyo a la Huelga de Arte para el 2000 y 2001. Tambien nos gustaría aclarar que la Huelga de Arte sólo, e insistimos en este sólo, está convocada para Barcelona y Madrid, y es curioso que las críticas a la misma hayan venido desde Andalucía, Uruguay, Argentina, y como se verá en el proximo número de P.O.BOX desde Alemania.

No podemos imaginar al artista como un trabajador asalariado que depende de un patrón. Lo más parecido sería un artesano que vende sus piezas al mejor comprador, pero en este mercado hay un valor añadido que lo distancia del artesano. No es el virtuosismo, ni el trabajo bien hecho el que da valor a la pieza, sino unas leyes de mercado en las que influyen muchos fenómenos, basados la mayoría de ellos en una gran mentira que es universal. Pero tampoco es éste el caso de la mayoría de los llamados artistas, pues éstos no viven exclusivamente de la venta de su obra. La huelga no pretende llevar a los trabajadores del arte al parón total, sino involucrar a todas aquellas personas relacionadas con el arte, tanto creadores como intermediarios y consumidores. Las fechas es lo de menos, pero una convocatoria de estas características requiere tiempo suficiente para su discusión y preparación. El cambio de siglo y milenio está en la mente de todos desde hace tiempo, se habla continuamente en los medios de esta fecha, desde los problemas de los ordenadores con los números "00" hasta propuestas como la de WAM. Parece que todo el mundo tiene intención de cambiar cosas esos años; creemos que ha sido acertada la elección de esta fecha. Los números 2000 y 2001 ya han calado en el público, sólo falta que cale la Huelga de Arte. No se pretende con la elección de estas fechas retornar a los viejos mitos, pues siempre han estado aquí: la lucha entre la luz y la oscuridad viene de muy atrás y nunca es una lucha acabada. Respecto a la última propuesta, pensamos que el artista en un individuo más en la sociedad, y como tal, en cada una de las manifestaciones de su vida se interrelaciona con el mundo, por lo que dispone como elemento social de muchos otros canales. Pretender que con el trabajo artístico se está destruyendo la sociedad capitalista es tan iluso como pensar que con la huelga de arte se pretende lo mismo.

IM: ¿Os consideráis un retorno de las vanguardias, pensáis que las vanguardias nunca se fueron o creéis que nunca han existido y hay que reinventarlas? En definitiva, sois nostálgicos, reformistas o revolucionarios en el contexto cultural de la modernidad?

Nunca hemos pretendido ser nada de todo esto, de hecho nunca hemos pretendido ser nada en concreto. Nuestra forma de trabajo en el mundo del arte se está reinventando cada día. Por supuesto que, cuando se analiza y se le quiere encontrar vínculos con parte de la historia del arte, lo primero que encontramos son las primeras manifestaciones de mail art en los 60, y si miramos para atrás nos pararíamos en Dada y Merz. Sería absurdo volver a las vanguardias, tuvieron su época en el mundo que les tocó vivir, pero podemos aprender algunas cosas de ellas como aprendemos de los errores y los aciertos de los que nos preceden. No creemos que haya que inventar o reinventar ninguna vanguardia, pues siempre se suele caer en el sectarismo y maximalismo y si algo caracteriza este difuso movimiento llamado arte postal es precisamente su estructura difusa y la tolerancia.